Isole che parlano di fotografia 

Giovedi 12 Settembre
Ore 21,30 

Centro di Documentazione del Territorio 


Inaugurazione mostra fotografica
“A proposito di Robert Capa”
di Mario Dondero
e
Incontro/lezione con il fotografo 

“Riflessioni sull’etica di un mestiere”
Mario Dondero si racconta

La mostra, realizzata in collaborazione con Associazione Ogros, rimarrà aperta fino al 30 di settembre presso Centro di Documentazione del Territorio tutti i giorni dalle 16.00 alle 20.00 (per altri orari contattare l’info-line al +39 339.1459168)

A proposito di Robert Capa

 “A proposito di Robert Capa”, un lavoro di indagine dedicato alla fotografia con cui Capa colse la caduta di un combattente repubblicano nella guerra civile spagnola: La vera storia del miliziano. Dondero racconta la verità di quella foto e l’ epopea della Repubblica spagnola.

“Ero partito da Garcia Lorca, e volli documentare la presenza degli italiani in Spagna, di sinistra e di destra, le fosse di Franco, la guerra”.
Dondero si concetra su un episodio – una battaglia, delle tante – che lo scatto di Capa rese celebre: la foto di Federico Borrell Garcia, morto il 5 settembre del 1936 a Cerro Muriano, vicino Cordoba. “Borrell Garcia salva la vita, quel giorno, a Capa e agli altri con lui, circondati dai franchisti. E Capa lo fotografa, appena colpito”.

Mario Dondero ha incontrato protagonisti e testimoni, evocato eroi e vittime. Ha narrato, con sensibilità e leggerezza, da poeti come è capace, la verità.

Mario Dondero

Nato il 6 maggio 1928 a Milano ma di origine genovese, Mario Dondero è fotogiornalista di professione e ha lavorato molto tempo per la stampa scritta. Ancora adolescente, partecipa durante la guerra alla Resistenza nel Nord dell’Italia. Dopo la guerra, si orienta verso un giornalismo a carattere sociale collaborando con diversi quotidiani della stampa italiana come “L’Unità”, “L’Avanti”, “Milano Sera”, o ancora la rivista “L’Ora”, che lancia lo slogan “una fotografia vale 1000 parole”. Mario fa allora parte del gruppo detto dei “Giamaicani” a Milano, dal nome del Bar Giamaica, appuntamento di numerosi artisti ed intellettuali.

 Si installa nel 1955 a Parigi dove continuerà a collaborare sia con la stampa italiana (particolarmente “l’Espresso” e “Epoca”) sia con quella francese (“Le Monde”, “Le Nouvel Observateur”).

 La frequentazione degli ambienti intellettuali parigini conduce Mario a scattare la sua celebre fotografia degli scrittori del “Nouveau Roman” che raggruppa Alain Robbe-Grillet, Claude Simon, Claude Mauriac, Jérôme Lindon, Robert Pinget, Samuel Beckett, Nathalie Sarraute e Claude Ollier, fotografia che, secondo Alain Robbe-Grillet, ha cristallizzato l’apparizione del movimento detto del “Nouveau Roman.”

Quest’epoca segna anche gli inizi di una fruttuosa collaborazione con la giovanissima rivista “Jeune Afrique” e con altre riviste dedicate a problematiche africane, collaborazione che darà a Mario Dondero l’opportunità di conoscere profondamente quel continente. Continuerà durante gli anni a frequentarlo cosi come altre zone del mondo, come l’America Latina, Cuba, l’URSS poi e più recentemente, il Canada nel 2000, l’Afghanistan nel 2004 con l’associazione umanitaria Emergency e la Russia  nel 2006.

  Mario fa il ritratto e stringe amicizia con numerosi scrittori, artisti, attori ed intellettuali tra i quali Pablo Picasso, Man Ray, Francis Bacon, Alberto Giacometti, Cy Twombly, Giorgio Di Chirico, Giuseppe Ungaretti, Maria Callas, Yves Montand, Léo Ferrato, Serge Reggiani, Georges Brassens, Barbara, Serge Gainsbourg, Juliette Greco, Francis Lemarque, Orson Welles, Federico Fellini, Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Pier Paolo Pasolini, Laura Betti, Gerard Philipe, Simone Signoret, Jean Seberg, Isabelle Huppert, Vittorio Gassman, Roman Polanski, Dario Fo, Roger Planchon, Armand Gatti, Aimé Césaire, Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir, Michel Foucault, Günther Grass, William Saroyan, Pablo Neruda, Gabriel Garcia Marquez, Miguel Angel Asturia, Jorge Amado, Max Frisch, Louis Aragon, Jean Genêt, Allen Ginsberg, Roland Topor, Daniel Pennac, Jeshar Kemal, Janis Kounellis, Yevgeny Yevtushenko, Patricia Highsmith, André Malraux, Eugène Ionesco, Arturo Adamov, Elsa Morante, Alberto Moravia, Françoise Sagan…

Mario è peraltro molto impegnato politicamente, e fotograferà numerosi personaggi pubblici tra i quali l’abate Pierre, Jean-Yves Gontard, Fidel Castro, Deng Xiaoping, Ahmed Bella, Hailé Séllasié, Pierre Mendès-France, Jacques Duclos, François Mitterand, Robert Badinter, John F. Kennedy, Nikita Khrouchtchev, Mikhaïl Gorbatchev, Willy Brandt, ecc.

  Continua ancora oggi la sua attività. Abita in Italia, a Fermo, nella regione delle Marche, e viaggia regolarmente per realizzare i suoi servizi, collaborando particolarmente con il quotidiano “Repubblica” e con “il Diario della settimana.” Numerose esposizioni gli sono dedicate regolarmente, in Italia e all’estero, particolarmente a Parigi nel 2006, Bruxelles nel 2009 e Londra nel 2011. Nel 2002, ha fatto parte della giuria internazionale del 24° Festival di cinema dei Trois Continents a Nantes (Francia).

  Mario Dondero è l’autore di una fotografia umana, rifiutando gli effetti spettacolari, e rispettosa del momento e della semplicità del reale. Profondamente influenzato da Robert Capa e Henri Cartier-Bresson, il suo lavoro rivela un profondo impegno sociale. È anche l’autore di numerosi documentari per la televisione e il cinema.

  Ha legami di amicizia con altri fotografi, tra i quali Willy Ronis, Guy Le Querrec, Frank Horwat, Léo Matiz, Ugo Mulas, Gianni Berengo Gardin e Mario Giacomelli.

sito web: www.mariodondero.com

Luigi Lullo Mosso

Musicista e performer, contrabbassista, cantante, da più di 20 anni si muove nel mondo della musica e del teatro, animato da una eclettica curiosità e passione che lo hanno portato a sperimentare e ricercare sullo strumento, sul corpo, la voce, la composizione, l’espressività, il movimento, la comicità, la didattica….Ha collaborato con grandi artisti esibendosi in teatri festival strade locali in tutta Europa, è presente a vario titolo in oltre 20 pubblicazioni discografiche.

guarda il video:

//www.youtube.com/watch?v=cwg7_2NqBdY

Enkhjargal Dandarvaanchig

Ogni suo concerto costituisce un’occasione per trasmettere una passione e un’attenzione verso le piccole cose della vita che hanno, nel suo pensiero, un effetto determinante sul vivere felici.

Brillante, sensibile, infinitamente ritmico, intelligente spirituale e potente batterista di Chicago. Nato a Monroe in Louisiana nel 55, la sua famiglia si trasferisce ad Evanston – Chicago qualche anno dopo, proprio mentre un altro musicista, faceva lo stesso tragitto, con la propria di famiglia: Fred Anderson.

Hamid si è immerso da adolescente nell’ascolto R & B e funk, di tutto il Motown, Stax e Atco. Ha iniziato a suonare in rock and R&B bands, ancor giovanissimo, attirando l’attenzione di Fred Anderson, Dal 1974 in poi la loro collaborazione diviene sempre più stabile e continua tutt’oggi. E’ lo stesso A. che lo introduce presso Douglas Ewart, Gerge Lewis e gli altri componenti dell’AACM( Chicago’s Association for the Advancement of Creative Musicians).

Le sue influenze musicali più significative per quanto riguarda le percussioni risalgono a quel periodo, ovvero ad Ed Blackwell, Adam Rudolph, Philly Joe Jones, Max Roach, Jo Jones. Altro incontro fortunato è quello con Don Cherry da cui scaturirà un’altra avventura musicale duratura che risale al 1978 e che continua fino alla prematura scomparsa di Cherry nel 1995.

Dopo aver conosciuto Don Cherry, Hamid e il suo collega percussionista Adam Rudolph hanno viaggiato molto al suo seguito in Europa, occasione per dedicare più tempo all’esplorazione dell’infinito universo percussivo, condividendo con D.Cherry, profondamente, il significato della spiritualità applicata alla musica e delle sue infinite possibilità di trasformazione ed evoluzione.

Il bisogno continuo di Hamid di sperimentare le varie espressioni ritmiche dalle radici della musica lo porta all’esperienza alla fine degli anni 70 del collettivo Foday Muso Suso’s Mandingo Griot Society, una mistura di tradizione African music e narrativa, con fusione di elementi jazz, funk, and blues con cui ha registrato fin dall’album di esordio, approfondendo nel contempo l’universo reggae con band come l’ Itals e la Heptone.

Negli anni è stato inventivo supporto ritmico di lungimiranti artisti tra cui Borah Bergman e Peter Brotzmann, con il quale ha suonato in quartetto con William Parker e Toshinori Kondo, Marylin Crispell, Pierre Dørge, il pianista compositore norvegese Georg Gräwe, Herbie Hancock , Misha Mengelberg , Pharoah Sanders , Wayne Shorter, Malachi Thompson, David Murray, Archie Shepp, Nicole Mitchell, M. Zerang con cui celebra dal 1991 il Solstizio d’Inverno, Kent Kessler e Ken Vandermark nel DKV trio.

Negli ultimi anni nonostante i molteplici impegni di lavoro, dedica sempre più, parte della sua attività a progetti personali quali Bindu, Indigo trio (con Nicole Mitchell ed Harrison Bankhead) il trio con Antonello Salis e Paolo Angeli, i duo con Lafayette Gilchrist e con il talentuoso vibrafonista italiano Pasquale Mirra e occasionalmente con altri esponenti del panorama musicale europeo.

Ttukunak

Sara Gómez txalaparta
Maika Gómez txalaparta

Ttukunak sono Sara e Maika Gómez, due sorelle gemelle dei Paesi Baschi. Suonano la txalaparta – lo strumento tradizionale basco per eccellenza, utilizzato in passato come mezzo di comunicazione nelle aeree rurali (los caserios, tipiche case basche) – composto da vari assi di legno, che gli escutori colpiscono con delle bacchette tenute in verticale con il pugno chiuso. Anticamente consisteva in un gran tavolone appoggiato su dei cesti e foglie di mais. Oggi ne esistono differenti tipi (di legno, metallo, pietra) e il suo utilizzo si adatta a contesti d’uso differenti da quelli originali.
Attualmente lo strumento è posizionato su cavalletti di legno o metallo e la gomma piuma ha sostituito le foglie di mais, aspetto che conferisce al suono maggiore forza e volume. Txalaparta è fondamentalmente comunicazione e improvvisazione. Per questo l’aspetto di maggiore rilevanza è la compenetrazione tra i due esecutori, denominati txalapartid.  Il toke (ritmo) si divide in due: ogni txalaparti (esecutore) occupa uno dei ttukun e l’altro (bikote) risponde. A partire da questo concetto di base è tutta improvvisazione e la cosa più importante è la compenetrazione tra i due esecutori, che danno vita ad un ritmo cangiante e inaspettato.
La txalaparta incontrò per casualità le gemelle Gómez, musiciste di formazione classica, circa venti anni fa. La loro apparente fragilità –  in contrasto con la durezza dello strumento rude  identificato con il maschile – e la loro complicità come gemelle, fa di Ttukunak uno spettacolo visuale e sonoro unico.
Hanno collaborato con John Zorn, Mariza, Ojos de Brujo, Radio Tarifa, Arto Tunçboyaciyan, Mártires del Compás, Trilok Gurtu, Ciro Baptista, Sambasunda, Ojos de Brujo, Mariza, Magic Marimbas (EEUU, Alemania, Suiza, Burkina Faso, Indonesia, Noruega, España), Benjamim Taubkin y Mónica Sâlmaso, La Gialleta (Italia, España, Portugal), Radio Tarifa, Sylvia Cloutier e Akinisie Sivuarapik –katajjaq inuit- (Canadá), Tomás San Miguel, Global Perfussion (Iran, India, Colombia, Brasil, Senegal, España), Julia Sarr y Patrice Larosse (Senegal y Francia), Kouyaté & Neerman (Mali y Suiza), Pierre Favre, Palo Flamenco, Maracatú de Pernambuco, Toom Pack, Tim Tim por Tim Tum.
È in fase di stampa il loro primo lavoro discográfico, prodotto dalla Tzadik (John Zorn).
Le gemmelle Gomez hanno più di 400 concerti all’attivo ed hanno suonato nei più importanti festival e sale di teatro di tutto il mondo: Inauguración Año de España en China Vicepresidencia del Gobierno de España, Beijing; 2º encuentro España-África: Mujeres por un mundo mejor (Presidencia de Gobierno); Pasarela Cibeles: Devota & Lomba; Royal Festival Hall, Londres (Inghilterra); Lehendakaritza, Diputación Foral de Álava, Palacio Euskalduna, Semana Grande Bilbao; Teatro Principal Vitoria; Brasil: Festival PercPan, organizzato da Gilberto Gil; Mercado Cultural, Salvador de Bahía; Taipei: Trees Music Festival e  i festivals più rilevanti di tutta Europa.

sito web ufficiale: ttukunak.com

video:

//www.youtube.com/watch?v=1mBLDbYeXe4

Lansinè ha iniziato a suonare il ballafon con suo padre Nankoman Kouyaté. Essendo ancora troppo giovane per congiungersi al famoso gruppo di musica nazionale del Mali, all’inizio partecipa alle cerimonie locali nel distretto di kangaba, a 100 km da Bamako. All’ètà di 12 anni viene scelto per entrare a far parte del prestigioso “Ensemble instrumental national du Mali” (Malian National Instrumental Orchestra) dove incontra Ballaké Cissoko, Baba Sissoko, Toumani Diabaté e altri artisti. Nel 1984 fa la sua prima tourneè in Europa e nel 1989 entra a far parte della band di suo zio Kassé Mady Diabaté’s group. A partire dal 1990 suona per 6 anni consecutivi con Salif Keita, esibendosi in tutto il mondo. Da quel momento ha suonato con tantissimi musicisti, partecipando a produzioni prestigiose con Mory Kanté, Baaba Maal, Moriba Koita, Manu Dibango, Positive Black Soul, Sekouba Bambino, Hank Jones, Jean-Jacques Avenel, Cheick Tidiane Seck, etc. Pur basando la sua musica sulla componente tradizionale ha esplorato il jazz e la musica moderna, il teatro e la musica sperimentale. Ha suonato in tour mondiale con Dee Dee Bridgewater. Parallelamente alla sua carriera di ballafonista Lansiné Kouyaté ha sviluppato un linguaggio ed una idea di musica che lo ha portato a creare un percorso da leader. Fin dal 2005 suona con il vibrafonista David Neerman (progetto aperto a collaborazioni con altri musicisti), con il quale nel 2008 ha registrato il cd Kanaba, che prende il nome dal suo villaggio.

www.lansinekouyate.net

Paolo Angeli

Nato nel 1970, inizia a suonare la chitarra a 9 anni. Cresce a Palau in un ambiente musicale estremamente stimolante. La chitarra e la voce del padre – suo primo maestro – l’autobus con la batteria, le galline e i meloni, i gruppi rock ‘diroccati’ in una vecchia falegnameria – alle prese con i concerti di piazza e le serate di carnevale – lo indirizzano verso una navigazione senza barriere stilistiche nel mondo della musica.

Diplomato Nautico, nel 1989 si trasferisce a Bologna. È durante l’occupazione universitaria del 1990 che nasce il Laboratorio di Musica & Immagine: variopinto ensemble di 14 musicisti che – scardinando le barriere tra i generi musicali e praticando composizione e improvvisazione collettiva – si pone all’attenzione dei principali festival europei di musica innovativa. Sospeso tra il post-rock da camera di Mistress, il duo con Stefano Zorzanello, i set di improvvisazione con Jon Rose, la realizzazione dell’opera di Fred Frith Pacifica, il coro a Tasgia, le funamboliche danze dei serbi Diamant Brin e dei Trabant, inizia a suonare la tuba con la Banda Roncati, straordinaria esperienza di musica nel sociale. Nello stesso periodo è tra i fondatori della Scuola popolare di musica Ivan Illich e dell’etichetta indipendente Erosha. Folgorato dall’incontro con Giovanni Scanu – chitarrista di Luras scomparso all’età di 95 anni – apprende le forme e i moduli del canto a chitarra gallurese e logudorese. Dall’incontro-scontro tra avanguardia extra-colta e tradizione popolare nasce la chitarra sarda preparata: strumento orchestra a 18 corde – ibrido tra chitarra baritono, violoncello e batteria – dotato di martelletti, pedaliere, eliche a passo variabile. Con questa singolare propaggine – costruita nel CROM di Francesco Concas – Paolo rielabora, improvvisa e compone una musica inclassificabile, sospesa tra free jazz, folk noise, pop minimale.

È del 1995 il suo concept album Dove dormono gli autobus (eseguito live nel ’97 dall’ottetto Fraìli). Nel 1997 vince il concorso Posada Jazz Project e incide Linee di fuga, primo lavoro con la chitarra modificata. Nel 2003 pubblica per la ReR il live in ‘Solo’ Bucato, sintesi di quattro anni di concerti in tutta Europa. Seguono le tournée in Canada e Stati Uniti, immortalate nelle pubblicazioni live Mede e Drawing Circle. Nello stesso anno, su richiesta di Pat Metheny, progetta un nuovo modello di chitarra sarda preparata. Nella Liuteria Stanzani – con la collaborazione di Francesco Concas e dello Studio MTA – nascono due chitarre gemelle, una delle quali è adottata dal musicista americano. Nel 2005 realizza Nita, l’angelo sul trapezio (ReR) colonna sonora immaginaria che vede coinvolti gran pare dei musicisti della scena creativa bolognese. Nita è una sintesi sospesa tra la creatività dei colletivi e la freschezza della musica tradizionale sarda. Nel 2005 Paolo si trasferisce a Barcellona. Il 2007 si apre con l’eclettico Tessuti (ReR), progetto in Solo dedicato alle composizioni di Fred Frith e Björk, e con il vinile Andature Portanti (Wallace Records).

Segue una gemma nella sua produzione: il dualdisc (DVD/CD) Tibi (ReR 2010), basato sul reportage fotografico della chitarra sarda preparata, realizzato da Nanni Angeli e sonorizzato dal vivo in ‘Solo’ con una suite musicale che include nuove composizioni e brani estratti dai precedenti lavori discografici. Il lavoro, si caratterizza come la più importante sintesi realizzata da Paolo sulla chitarra sarda preparata, con un mixing all’avanguardia in 5.1 e un rapporto con l’immagine che riporta ai lavori del LM&I.

Tra i sodalizi artistici vanno citati le collaborazioni con Fred Frith (duo, quartetto, Tessitura) il duo con Antonello Salis (Ma.Ri Auand 2003), il duo con Hamid Drake (Uotha Nubop 2005), il trio con Ned Rothemberg ed Evan Parker (Free Zone 2007), il duo avant-pop con Takumi Fukushima (Itsunomanika, ReR 2011), il trio POG – Piccola Orchestra Gagarin, composto dal batterista catalano Oriol Roca e il violoncellista israeliano Sasha Agranov, (Platos Combinados, Whatabout 2011). Dal 2009 le collaborazioni con Salis e Drake confluiscono nella formula Trio e nel 2010 nasce il quartetto che include Gavino Murgia (Giornale di Bordo, Egea – Sard disc 2010).

Paolo Angeli è laureato in Etnomusicologia al DAMS di Bologna. Dal 1997 al 2003 ha collaborato con l’ISRE, alla costituzione della fonoteca Archivio Mario Cervo. Come ricercatore ha pubblicato Canto in Re (ISRE 2005) – volume storico analitico sul Canto a Chitarra, accompagnato da un cofanetto di 4 CD con incisioni datate tra il 1930 e il 1967. Insieme a Nanni Angeli è il direttore artistico di Isole che parlano, rassegna sospesa tra tradizione e innovazione che si svolge dal 1996 a Palau.

Ha suonato e registrato per Radio Rai Tre, Radio Rai due, BBC 3, NPR (Usa), si esibisce continuativamente nei festival, teatri, gallerie, avant-jazz club di Europa, Canada, Stati Uniti, Russia, Brasile. Nelle situazioni informali e in Gara ha accompagnato i più noti Cantadores ancora in attività. Ha svolto conferenze sul Canto a chitarra nei Festival Internazionali, nei Conservatori e nelle Università italiane e francesi

• http://www.paoloangeli.com
• http://www.myspace.com/paoloangeli
• http://www.youtube.com/AngeliProductions

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Domenica 15 settembre 2013
Cala Corsara Isola di Spargi-La Maddalena
ore 18,30

Gli Spargiani (USA/Italia) ***

Causa maltempo il concerto di Cala Corsara è stato spostato
al Cine Teatro Montiggia alle ore 18,30.
L’ingresso sarà Gratuito!!! 

Hamid Drake batteria, percussioni, voce
Paolo Angeli chitarra sarda preparata, voce

Il 4 settembre 2004 Hamid Drake  e Paolo Angeli si incontrano per la prima volta sul palco di Sant’Anna Arresi per il festival I confini tra Sardegna e Jazz.  Magia è l’unica parola che viene in mente per descrivere questo concerto immortalato nel cd Uotha (Nubop 2006), lavoro discografico considerato dalla critica come uno dei lavori più importanti di connessione tra l’avanguardia di Chicago e la scena creativa Europea. Il duo ha alle spalle nove anni di concerti e  dialoghi serrati. Ogni appuntamento dal vivo è una sorpresa, un vulcano di creatività, un richiamo ancestrale basato sulla poliritmia. Alla batteria uno dei più grandi percussionisti del jazz contemporaneo, il sultano dell’Illinois Hamid Drake, all chitarra-cello Paolo Angeli, con alle spalle la sua isola che scalpita e cerca di emergere sotto ogni nota. Il viaggio, il percorso, è sempre imprevedibile: può portarci alla densità sonora vissuta ai piedi dei grattacieli di Chicago, oppure consegnarci ai moti riflessivi e silenziosi dei graniti galluresi. La loro navigazione a vista, compiuta con con rilevamenti e punti nave appena abbozzati, regala sempre concerti in grado di stupire.

*** prima assoluta

Cussertu Cùcuru ‘e Luna de Torpè

– Elio Addis boghe e mesa boghe
– Marco Corda mesa boghe e boghe
– Sebastiano Pilosu contra
– Piernicola Mula bassu

Torpè è un paese dell’Alta Baronia di circa 3000 abitanti. Situato a ridosso della costa tirrenica, è tradizionalmente un paese contadino che oggi vive prevalentemente dell’indotto del turismo balneare. Su tenore è qui chiamato cussertu e si contraddistingue per la particolare timbrica determinata dall’impiego contemporaneo di diverse sillabe nonsense. Mentre su bassu utilizza sempre la vocale “O”, in sa contra prevale la “E”; sa mesa ‘oghe alterna la “E” e la “A”. Particolarmente interessanti sono gli incastri ritmici tra bassu e contra. Sa moda torpeina è caratterizzata da una forte competizione interna tra i cantori che determina un volume decisamente alto. La forma di canto più eseguita è sa boghe ‘e note, detta anche boghe sèria, divisa tra istèrrida e zirada. Esistono due principali modi di cantare a boghe ’e note: s’antiga e sa pitzinnina. La differenza principale tra i due è data dal ritmo, più lento e con corfos più staccati in s’antiga e più rapido e legato in sa pitzinnina. Tra i canti a boghe ‘e ballu i cantori più vecchi eseguivano prevalentemente su ballu brincadu e, taluni, su ballitu. Oggi si cantano a cussertu anche s’ancheta e su ballu topu. Alcuni cussertos eseguono anche su ballu ’e tres. Si cantano inoltre sos mutos.

I quattro cantori de Su Cussertu Cùcuru ’e Luna hanno appreso il canto per tradizione orale durante l’adolescenza esprimendosi poi per lungo tempo nei contesti tradizionali del paese e cantando con numerosi altri cantori di tutte le età. Elio fa il pastore, Sebastiano l’insegnante, Marco l’operaio e Piernicola è un artigiano. Il gruppo si è costituito in formazione stabile nel 2004, ma tre dei componenti provengono da esperienze in altri gruppi stabili intraprese a partire dai primi anni ottanta. La formazione vanta oltre cento concerti, avendo partecipato a numerose serate organizzate in occasione di feste paesane in Sardegna, a rassegne di canto, convegni e incontri culturali sia in Sardegna che nel continente e all’estero. I componenti de su cussertu non hanno mai smesso in questi anni di cantare nei contesti informali tradizionali anche con altri cantori torpeini.

//www.youtube.com/watch?v=1xJZZYX6IB0

Toccos e Repiccos

dedicato a
Francesco Atzeni di Paulilatino (Or)
1957-2007

 “Sos Jacanos de Sardigna”
Associazione Regionale Suonatori di Campane (Sardegna)

Palau
Sabato 14 Settembre
Ore 21,00
Nostra Signora delle Grazie
Campanile e Piazza di Chiesa

 Con i Maestri Campanari

Peppino Milia di Onifai (Nu)
Mario Contu di Alà dei Sardi (Ss)
Francesco Deriu di Bonorva (Ss)
Attilio Licheri di Aidomaggiore (Or)
Giovanni Coco di Arixi (Ca)
Bruno Melis di Serdiana (Ca)
Piero Angelo Fadda di Austis (Nu)
Cosimo Capra di Torpè (Nu)
Gian Luca Capra di Torpè (Nu)

Quanto ancora resta in Sardegna del mondo dei campanari?

È un mondo che non è fatto solo di singolarità di soggetti, ma anche di comunità, luoghi, abilità tecniche, ricorrenze religiose e quotidiane ancora immersi nei tempi lunghi scanditi dal suono delle campane. Organizzare una rassegna di arrepicatores, potrebbe sembrare solamente una operazione culturale fine a se stessa, ma considerando l’interesse riscontrato in tutti questi anni possiamo dire che, per l’ennesima volta assistiamo nella nostra isola, alla riscoperta di frammenti di cultura musicale arcaica, altrimenti trascurati o dimenticati. Esperti esecutori tramandano la loro arte ai più giovani con entusiasmo, assicurando la continuità della tradizione per tutto l’arco dell’anno, nei vari momenti soprattutto liturgici, dove le campane hanno da secoli un ruolo fondamentale. Le campane e i suonatori “Arrepicatores”, evidenziano una notevole forza espressiva musicale e racchiudono valori senza tempo: ci chiamano a raccolta, ci fanno incontrare, ci segnalano un pericolo, una festa solenne, ci accompagnano nella riflessione e nella tristezza per la morte di un nostro compaesano. Tutto attraverso un efficace codice musicale tradizionale che purtroppo si rischia di perdere. Il film Toccos e Repiccos di Ignazio Figos (2000 ISRE) stigmatizzando la nostalgia per un mondo che pur persistendo non pervade più la vita quotidiana della maggior parte dei paesi della Sardegna, aveva evidenziato la ricchezza di questo mondo parallelo. Ecco allora l’importanza di un raduno “Per cercare di capire e approfondire sempre di più, anche se per una volta all’anno continueremo a salire nelle torri campanarie delle nostre umili e bellissime chiese a riproporre questi suoni antichi che non meritano di essere dimenticati”.

Estratto dal comunicato stampa della decima rassegna di suonatori di campane tenutosi a Irgoli il 15 luglio 2007

sito web:  jacanosdesardigna.sitiwebs.com

* immagini  ® Gianni Petta (2007)